[Deutscher Text nachstehend]

Monika Maurer-Morgenstern (* 1942 in Leipzig) is an experienced artist. Her works have been exhibited in New York, Munich, Cologne, in the Swiss Oberwallis and in Berlin. Important private and public collections, such as the Graphic Collection of the Staatsgalerie Stuttgart, the Kupferstichkabinett in Basel, acquired her drawings. However, her path to and with art is not straightforward. Maurer-Morgenstern’s works are created because she has inner antennae that reach far into her childhood, into her soul life. “The only true source of art is our heart, the language of a pure childlike mind.” Caspar David Friedrich’s view of Romantic art, as illustrated in this sentence, is a precise reflection of her artistic practice. An abundance of sheets, united in series visualize intertwined paths of memory from life experiences: colorful, detailed, erotic, sometimes full of grotesque comedy.

“I paint because I don’t act, and in the paintings I stage the dramas of my impatient soul.” (Monika Maurer-Morgenstern)

Outtake from: Annelie Lütgens, “The Woman Who Flies” (2020)

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Monika Maurer-Morgenstern (*1942 in Leipzig) ist eine erfahrene Künstlerin. Ihre Werke wurden in New York, München, Köln, im Schweizerischen Oberwallis und in Berlin ausgestellt. Bedeutende private und öffentliche Sammlungen, etwa die Grafische Sammlung der Staatsgalerie Stuttgart, das Kupferstichkabinett in Basel, erwarben ihre Zeichnungen. Ihr Weg zur und mit der Kunst ist jedoch kein geradliniger. Maurer-Morgensterns Werke entstehen, weil sie über innere Antennen verfügt, die weit in ihre Kindheit, ihr Seelenleben hinein reichen. “Die einzige wahre Quelle der Kunst ist unser Herz, die Sprache eines reinen kindlichen Gemütes.“ Die Kunstauffassung der Romantik, verdeutlicht in diesem Satz von Caspar David Friedrich, trifft ihre künstlerische Praxis ganz genau. Eine Fülle von Blättern, vereint in Serien visualisieren in verschlungenen Erinnerungspfäden erlebtes Leben, farbenprächig, detailgenau, erotisch, bisweilen voller grotesker Komik.

„Ich male, weil ich nicht Theater spiele, und in den Bildern inszeniere ich die Dramen meiner ungeduldigen Seele.“ (Monika Maurer-Morgenstern)

Auszug aus: Annelie Lütgens, “Die Frau, Die Fliegt” (2020)

Exhibition
November 23, 2019 – February 15, 2020

[Deutscher Text nachstehend]

Phil Sims’ abstract paintings focus on color and its elementary material properties. Seemingly monochrome, Sims’ painting’s luminescence derives from his careful layering of numerous layers of oil paint at a different levels of opacity in a range of tones.

A member of the international Radical Painting group in the late 1970s and early 1980s, Sims shared a concern for the possibilities of abstract painting after the New York School and minimal art with fellow group members Marcia Hafif and Olivier Mosset, among others. At a time when there was a disinterest, or even disdain, for painting these painters rigorously and deeply investigated the “basic question of what painting is” (Marcia Hafif, 1978). Within the recent reexamination of painting of the late 20th century, the Radical Painting movement and monochromatic, conceptual painting such as that of Phil Sims has recently regained renewed interest, contributing to the recognition of its art historical significance.

Monochromaticity has defined Sims’ œuvre of painting. Working the surface of his paintings in a laborious manner, their subtle texture and precise painterly gesture is only revealed to the viewer upon closer proximity. Using different painting media such as oil, acryclic, and watercolor, Sims has also experimented with various admixtures and unconventional substances such as sand creating a field of complex vibrancy and transcendent beauty.

Sim’s works are included in major institutions and museums, including the Panza Collection (Italy), the Wadsworth Atheneum, the Kunstmuseum Bonn (Germany), Malmö Konsthall (Sweden), Montgomery Museum of Fine Arts, and the Albright-Knox Art Gallery.

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In den abstrakten Gemälden von Phil Sims stehen die Farbe und ihre elementaren Eigenschaften im Mittelpunkt. Die scheinbar monochrome Lumineszenz von Sims’ Gemälden beruht auf der sorgfältigen Überlagerung zahlreicher Schichten Ölfarbe mit unterschiedlichen Opazitäten und in verschiedenen Farbtönen.

Als Mitglied der internationalen “Radical Painting Group” in den späten 1970er- und frühen 1980er-Jahren teilte Sims unter anderem mit den Gruppenmitgliedern Marcia Hafif und Olivier Mosset ein Interesse für die Möglichkeiten der abstrakten Malerei nach der “New York School” sowie der Minimal Art. Zu einer Zeit, in der es ein Desinteresse an Malerei gab, untersuchten diese Maler präzise und gründlich die “Grundfrage, was Malerei ist” (Marcia Hafif, 1978). Im Rahmen der Wiederentdeckung und Anerkennung ihrer kunsthistorischen Bedeutung der Malerei des späten 20. Jahrhunderts hat die “Radical Painting”-Bewegung und die monochromatische, konzeptuelle Malerei wie die von Phil Sims in jüngster Zeit wieder an Bedeutung gewonnen.

Monochromität bestimmt Sims’ Oeuvre. Das aufwändige Bearbeiten der Oberfläche seiner Bilder, ihre subtile Textur und präzise malerische Geste werden dem Betrachter erst aus nächster Nähe offenbart. Sims experimentierte mit verschiedenen Malmitteln wie Öl, Acryl und Aquarell sowie mit verschiedenen Beimischungen und unkonventionellen Substanzen wie Sand, wodurch eine lebendige und transzendente Ästhetik entstand.

Sims’ Werke sind in bedeutenden Institutionen und Museen vertreten, darunter die Panza-Sammlung (Italien), das Wadsworth Atheneum, das Kunstmuseum Bonn, Malmö Konsthall (Schweden), das Montgomery Museum of Fine Arts und die Albright-Knox Art Gallery (USA).

Anne Turyn is a fine art photographer, writer and editor based in New York City.

Her photographic work often combines image and text and moves between apparently objective truths and personal, subjective memories.
The series New York City in 1979 was shot to accompany Kathy Acker’s texts in the ninth issue of Top Stories – a literary chapbook that Turyn founded and edited. Showing the city in black and white, the photographs depict New York’s streets, people, shop windows, architecture and motion, often blurry or from a curious angle, like a passing glimpse or a memory. Capturing the fast-moving nature and complexity of the city, the photos are not only challenging Acker’s text, but stand for themselves. Flashbulb Memories is a reference to a psychological phenomenon in which a person combines a significant incident from world history with detailed pictorial memories. These constructed impressions and memories relate to what the person was doing and seeing at the time they learned about the news. The series is an example of how Turyn’s work combines image and text. The text functions as “objective” truth, the image, on the other hand, as subjective impression, so that a field of tension between reality and fiction is created. Personal and social narratives merge. Illustrated Memories consists of pictures of memories that are composed in the same way as associative pictures from the memory. However, these are invented images that tell a fictional biography and play with the truth claim not only of images, but also of memories.
For Waiting, Turyn has photographed people queuing in front of a federal building in New York, waiting for their immigration procedure to be processed. While taking the photographs, Turyn was standing with her back to the subjects. The series thus depicts a social condition, but at the same time refers through the individuals to human fates and the role of the individual in the global narrative of human history. The series Looking shows people who come to Yellowstone National Park en masse to look for wolves. The voyeuristic moment is reversed as the observers in the images become the observed.

Her prose periodical Top Stories featured one artist per issue, including Kathy Acker, Laurie Anderson, Constance DeJong, Pati Hill, Jenny Holzer, Cookie Mueller, and Richard Prince, among others. Between 1978 and 1991, 29 issues were published.

Her work has been widely exhibited, including at the Museum of Modern Art, The Metropolitan Museum of Art, Kunsthalle Bern, Denver Art Museum, Center for Creative Photography, Walker Art Center, George Eastman Museum, and Los Angeles County Museum of Art.

Opening
July 4, 2020
13 – 18h

Exhibition
July 4 – 25, 2020

[Deutscher Text nachstehend]

Larry W. Cook’s socially critical work includes photography, video, and conceptual art. It examines African American identity, racial relations, fatherhood and masculinity in the African American context, and American society. The show is a „Must See“ according to Artforum.

“Fatherhood” (2018) is a series of large portraits of fathers with their children and deals with one of the most important interpersonal relationships in the context of the experience and presentation of masculinity through a variety of different modes. The photographs represent the ability to come together. The theme of fatherhood is also central to “When Dad Comes Home” (2013), where Cook works with archived photos from his family and friends. What possibilities does the absent father have to build up closeness to his children? What does this closeness look like outside the photo?
Based on his experience as a club photographer in and around Washington DC, Cook began working with backdrops used as photo backgrounds at parties, creating an aesthetic unique to the African American experience. In “Urban Landscape” (2018), the backdrops are set in landscapes and can act alone without the people that normally pose in front of them. Escapist motifs such as the Hennessy bottle, cocktails on the beach or fancy cars, which normally stage the background of a carefree night, are brought to the forefront here.
Another important inspiration for Cook is prison photography and his own collection of polaroids taken in prisons. Backdrops are also used in this practice, but with different motifs than in party photography. For “The Visiting Room” (2019) Cook photographed inmates in the visiting room in front of club backdrops. They take up the typical kneeling pose, supposed to reflect pride and masculinity, but are turned away from the viewer and thus anonymous – a tactic that allows the viewer to put himself in the figure’s position.

Larry W. Cook lives and works in Washington DC. He teaches photography at Howard University in Washington DC. Cook received his MFA in 2012 from George Washington University and has since been featured in numerous solo and group exhibitions in the USA, including the MoMA PS.1, Walters Art Museum, the Baltimore Museum of Art, the Katzen Arts Center, and the Rush Arts Gallery. Cook is the winner of the Best of Show Award of the Trawick Prize: Bethesda Contemporary Art Awards 2017 and is nominated for the Outwin Boochever Portrait Competition 2019 of the National Gallery.

The exhibition will be accompanied by a publication, with contributions by Jasmin Basheer, Makeda Best, Leslie M. Wilson, and Tamar.

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Larry W. Cooks sozialkritisches Werk umfasst Photographie, Video- und Konzeptkunst. Cooks Arbeiten untersuchten oft afroamerikanische Identität, Rassenbeziehungen, Vaterschaft und Männlichkeit im afroamerikanischen Kontext und die amerikanische Gesellschaft. Die Ausstellung ist ein „Must See“ laut Artforum.

Die Serie “Fatherhood” (2018) besteht aus Portraits von kürzlich aus der Haft entlassenen Vätern mit ihren Kindern und setzt sich mit einer der wichtigsten zwischenmenschlichen Bindungen im Kontext der Gefängniserfahrung auseinander. Das Thema Vaterschaft ist auch zentral in “When Dad Comes Home” (2013), wo Cook mit archivierten Photos aus seinem Familien- und Freundeskreis arbeitet. Welche Möglichkeiten hat der abwesende Vater, Nähe zu seinen Kindern aufzubauen? Wie sieht diese Nähe außerhalb des Photos aus?
Ausgehend von seiner Erfahrung als Clubphotograph in Washington DC und Umgebung begann Cook, mit Backdrops zu arbeiten, die als Fotokulissen auf Parties verwendet werden und eine für die afroamerikanische Erfahrung einzigartige Ästhetik darstellen. In “Urban Landscape” (2018) stehen die Backdrops in Landschaften und können alleine für sich wirken, ohne die Menschen, die normalerweise davor posieren. Eskapistische Motive wie die Hennessy-Flasche, Cocktails am Strand oder teure Autos, die sonst den Hintergrund einer unbeschwerten Nacht inszenieren, rücken hier in den Vordergrund.
Eine weitere wichtige Inspiration für Cook ist die Gefängnisphotographie und seine eigene Sammlung von Polaroids, die in Gefängnissen aufgenommen wurden. Auch in dieser Praxis werden Backdrops verwendet, allerdings mit anderen Motiven als bei der Partyphotographie. Für “The Visiting Room” (2019) photographierte Cook Gefängnisinsassen im Besuchsraum vor Club-Backdrops. Sie nehmen die typische kniende Pose ein, die Stolz und Männlichkeit ausstrahlen soll, sind jedoch vom Betrachter abgewendet und somit anonymisiert – eine Taktik, die es dem Betrachter ermöglicht, sich in die Position der Figur hineinzuversetzen.

Larry W. Cook lebt und arbeitet in Washington DC. Er ist Dozent für Photographie an der dortigen Howard University. Cook erhielt seinen MFA 2012 von der George Washington University und war seither in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in den USA zu sehen unter anderem im MoMA PS.1, Walters Art Museum, dem Baltimore Museum of Art, dem Katzen Arts Center, und der Rush Arts Gallery. Cook ist der Gewinner der Best of Show Auszeichnung des Trawick Prize: Bethesda Contemporary Art Awards 2017 und ist für den Outwin Boochever Portrait Competition 2019 der National Gallery nominiert.

Die Ausstellung wird von einer Publikation begleitet, mit Beiträgen von Jasmin Basheer, Makeda Best, Leslie M. Wilson, und Tamar.

Opening: September 12, 2019, 19-21h
Exhibition: September 13 – November 9, 2019

[Deutscher Text nachstehend]

Louisa Boeszoermeny’s photographic work comprises elements of documentary and portrait photography as well as still life. In her work, Boeszoermeny examines the diametrically opposed relationship between freedom and security on a socio-political as well as a very personal level.

The series The State I Am In reflects the dialectic between the private and the public, the personal and the political, security and freedom. Where is the line between security and control? What effects does an increased level of security have on one’s own freedom? And what is more important to us?

A young woman posing in a camouflage T-shirt in nature contrasts a personal need for security with a youthful desire for freedom. In addition, pictures of combat training at a school for bodyguards show the relationship between security and violence. A photo of a combination of a high-tech combat equipment and an antique helmet from the imperial era refers to the interplay of nationalistic views, exclusion and the ideas of security in a society. The State I Am In deals with the relationship between the individual and society, which is determined by the desire not to feel threatened and at the same time not to be restricted.

Louisa Boeszoermeny is an alumna of the Lette-Verein Berlin and is currently studying fine arts at the Berlin University of the Arts (class of Josephine Pryde). A text by Julia Jost will appear in the exhibition catalogue.

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Louisa Boeszoermenys fotografische Arbeit umfasst Elemente der Dokumentar- und Porträtfotografie sowie des Stilllebens. In ihrer Arbeit untersucht Boeszoermeny das diametral entgegengesetzte Verhältnis von Freiheit und Sicherheit auf einer soziopolitischen sowie auf einer sehr persönlichen Ebene.

Die Serie The State I Am In reflektiert die Dialektik zwischen Privatem und Öffentlichem, dem Persönlichen und dem Politischen, Sicherheit und Freiheit. Wo liegt die Linie zwischen Sicherheit und Kontrolle? Welche Auswirkungen hat ein erhöhtes Maß an Sicherheit auf die eigene Freiheit? Und was ist uns wichtiger?

Eine junge Frau, die im Camouflage-T-Shirt in der Natur posiert, stellt ein persönliches Bedürfnis nach Sicherheit dem jugendlichen Verlangen nach Freiheit gegenüber. Daneben zeigen Bilder von Kampftrainings an einer Schule für Leibwächter die Beziehung zwischen Sicherheit und Gewalt auf. Ein Foto einer Kombination von einem Hightech-Kampfgerät und einem antiken Helm aus der Kaiserzeit verweist auf das Zusammenspiel nationalistischer Anschauungen, Exklusion und den Ideen von Sicherheit in einer Gesellschaft. The State I Am In thematisiert das Verhältnis zwischen Individuum und Gesellschaft, das durch den Wunsch bestimmt ist, keine Bedrohung zu spüren und gleichzeitig nicht eingeschränkt zu werden.

Louisa Boeszoermeny ist Alumna des Lette-Vereins Berlin und studiert derzeit Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin (Klasse Josephine Pryde). Im Ausstellungskatalog wird ein Text von Julia Jost erscheinen.

[Deutscher Text nachstehend]

With unforgiving stilettoes trudging deeply into European Modernist painting, Alex Becerra’s paintings are often and openly skanky. Like trapped skin flicks, Becerra’s nude figures are both twisted onto and falling out of their implied, finger-thick borders on the canvas. Nearby, cowboy boots doubling as vases and shoes cradling themselves begin to take on erotic valences just as seemingly impossible bodily contortions finally collapse into abstraction that somehow still arouses. Mirrors from nowhere insist on offering soft-porn “reflections” onto canvases that also threaten to swallow viewers lured all the way up to their edge.

Overall, by immersing himself in experimental music, film, sculpture, and performance while simultaneously embracing and challenging traditions within European modern painting, Becerra is teaching himself to play deeply and find metonymic techniques to undermine the use of symbols to represent class, gender, or ethnic backgrounds without betraying home.

Text: Darla Migan

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Mit unnachgiebigen Stilettoes, die tief in die Malerei der europäischen Moderne einschreiten, sind Alex Becerras Bilder oft und offen lasterhaft. Wie gefangene Hautfetzen sind Becerras nackte Figuren sowohl auf ihre angedeuteten, fingerdicken Ränder auf der Leinwand gedrückt als auch aus ihnen herausgefallen. Daneben beginnen Cowboy-Stiefel, die als Vasen und sich selbst wiegende Schuhe erscheinen, erotische Valenzen anzunehmen. Die scheinbar unmöglichen körperlichen Verzerrungen, die schließlich in eine Abstraktion zusammenfallen, schaffen es dennoch zu erregen. Spiegel, die aus dem Nichts kommen, bestehen darauf, Soft-Porno “Reflexionen” auf Leinwänden zu präsentieren, die auch den an den Rand gelockten Betrachter zu verschlingen drohen.

Indem Becerra sich in experimentelle Musik, Film, Skulptur und Performance vertieft und gleichzeitig Traditionen der europäischen modernen Malerei annimmt und herausfordert, lernt er selbst, in die Tiefe zu gehen und metonymische Techniken zu finden, um die Verwendung von Symbolen zur Darstellung von Klasse, Geschlecht oder ethnischen Hintergründen zu untergraben, ohne die eigene Herkunft zu verleugnen.

Text: Darla Migan

[Deutscher Text nachstehend]

Evan Nesbit’s paintings are abstract color fields, capturing a performative gesture in the process of distributing paint and pigments to stain, bleach, coat, and color textiles and objects. Some of the paintings are achromatic, made with a small amounts of pigment dispersed in acrylic, others oversaturated in bright monochrome fluorescence. For his paintings, Nesbit often uses pressure and gravity to push paint between the fibers of natural dyed burlap causing the synthetic pigment material to press through the fabric and dry. Through this formal inversion, the paint becomes a substrate and the burlap fabric a foregrounded image, giving equal visual importance to both while marking the presence of a painter and the process of manipulating a panel.

Nesbit works within the tradition of American impressionism, color field painting, minimalism and post-minimalism as well as European movements such as Arte Povera or Supports / Surfaces. As such, he is deeply committed to studying and utilizing potentials and properties of natural and synthetic materials with regards to their aesthetic qualities as well as the past conditions and experiences and imbued within them. Nesbit’s works function as paintings by formally reordering substrates, creating a sense of light and space by foregrounding the texture and weight of supports and surfaces.

Evan Nesbit (*1985 in California) lives and works in Grass Valley, California. Nesbit received his BFA from San Francisco Art Institute in 2009 and his MFA from Yale University in 2012. He is recipient of the Yale University Ely Harwood Schless Memorial Fund Prize for painting.

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Die Gemälde von Evan Nesbit sind abstrakte Farbfelder und erfassen eine performative Geste beim Verteilen von Farben und Pigmenten. Textilien und Gegenstände werden, gebleicht, gefärbt und neu strukturiert. Einige der Gemälde sind achromatisch und bestehen aus feinen Pigmenten, die in Acryl dispergiert sind, andere sind gesättigt in ihrer hellen monochromen Fluoreszenz. In seinen Arbeiten verwendet Nesbit Bewegung, Druck und Schwerkraft, um mit der Farbe auf natürlich gefärbtes Sackleinen zu malen, wodurch das synthetische Pigmentmaterial durch die Fasern dringt und als mehrdimensionales Relief trocknet. Durch die Neuanordnung von Substraten entstehen Licht- und Raumwahrnehmungen, die die Textur und das Gewicht von Materialträgern und Oberflächen in den Vordergrund stellen.

Nesbit arbeitet in der Tradition des amerikanischen Impressionismus, der Farbfeldmalerei, des Minimalismus und des Post-Minimalismus sowie europäischer Bewegungen wie der Arte Povera oder Supports / Surfaces. Er untersucht damit die Potentiale und Eigenschaften natürlicher und synthetischer Materialien hinsichtlich ihrer ästhetischen Qualitäten sowie ihrer Vergangenheit.

Evan Nesbit (* 1985 in Kalifornien) lebt und arbeitet in Grass Valley, Kalifornien. Nesbit erhielt seinen BFA vom San Francisco Art Institute 2009 und seinen MFA von der Yale University 2012. Er ist Preisträger des Ely Harwood Schless Memorial Fund der Yale University für Malerei.

Keith Mayerson
Otto Dix
August Wilhelm Dressler
Carl Grossberg
George Grosz
Karl Hermann Haupt
Otto Möller
Josef Scharl
Paul Wieghart

[Deutscher Text nachstehend]

Keith Mayerson (*1966) is a contemporary painter and draftsman, known for his work encompassing portraits, historical and personal scenes, landscapes, and more. The exhibition at Weiss Berlin aims to draw attention to graphic art as the foundation of painting, forming connections between satire, caricature, and the moving form of the line and the brushstroke. Mayerson’s drawings and a retrospective of his early paintings are accompanied by drawings from the Weimar Republic by Otto Dix (1891-1969), August Wilhelm Dressler (1886-1970), Carl Grossberg (1894-1940), George Grosz(1893-1959), Karl Hermann Haupt (1904-1983), Otto Möller (1883-1964), Josef Scharl (1886-1954) and Paul Wieghart (1896-1969). Mayerson’s work was strongly influenced by the works of these artists, as well as by comics and the figurative painting of the 19th and 20th centuries – together they form a lovingly dark panorama of figures and emotions.

Since 1995, Mayerson has been a professor for fine art and cartooning in New York and California. He has exhibited widely and his work is featured in the permanent collections of the Whitney Museum of American Art, the Museum of Modern Art, New York, the Los Angeles County Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Cleveland Museum of Art.

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Eröffnung: 6. September, 19 – 21 h
Ausstellung: 7. September bis 13. Oktober

Keith Mayerson (* 1966) ist ein zeitgenössischer Maler und Zeichner, dessen Arbeiten unter anderem Porträts, historische als auch familiäre Szenen und Landschaften umfassen. Die Ausstellung bei Weiss Berlin will die Aufmerksamkeit auf die grafische Kunst als Grundlage der Malerei lenken, und dabei Zusammenhänge bilden zwischen Satire, Karikatur, und der bewegenden Form der Linie und des Pinselduktus. Mayersons Zeichnungen und eine Retrospektive seiner frühen Gemälde werden mit Zeichnungen aus der Zeit der Weimarer Republik von Otto Dix (1891-1969), August Wilhelm Dressler (1886-1970), Carl Grossberg (1894-1940), George Grosz(1893-1959), Karl Hermann Haupt (1904-1983), Otto Möller (1883-1964), Josef Scharl (1886-1954) und Paul Wieghart (1896-1969) zusammen gezeigt. Mayersons Arbeit wurde stark von den Werken dieser Künstler beeinflusst, ebenso wie von Comics und der figurativen Malerei des 19. und 20. Jahrhunderts – gemeinsam bilden sie ein liebevoll-dunkles Panorama von Figuren und Gefühlen.

Seit 1995 ist Mayerson als Professor für bildende Kunst und Cartoon in New York und Kalifornien tätig. Seine Werke sind unter anderem in den permanenten Sammlungen des Whitney Museum of American Art, des Museum of Modern Art, New York, des Los Angeles County Art Museum, des San Francisco Museum for Modern Art und des Cleveland Museum of Art.

[Deutscher Text nachstehend]

Ursula Ott’s mirrored colored glass panes draw attention to the changing occurences of light and color in accordance with the day and seasons. The discs, clearly contoured geometric fields – often circles – are in silent interaction with the viewer, changing color and reflection depending on the moment and position of the subject. The light paints. With each movement of the eye, every change of the light, colors form into oscillation, into vibration. The outside world is shadowy and unreal, as seen through a veil, sunk deep into the colored glass. The inner view and the deep perception make their appearance, attention is directed to the changing sensation, away from the image of the outside world. Frequently, Ott’s discs radiate in glowing gold, which changes again at the next change of position. At the same time, the cool blue moonlight, the green of nature appear. Then again the colors mix like in a kaleidoscope. Banned, we stand before these works full of transcendence, spirituality, and light movement. Again and again, different sensations and feelings are evoked similarly as they might be by a piece of music.

Glass and mirrors are materials that have fascinated artists of all times: glass painting of the Middle Ages or the mirror cabinets of the baroque, for example, were large, prestigious commissions. In modern times, the opus magnus by Marcel Duchamp “The Large Glass,” which was first exhibited unfinished in 1923, renders oil on glass. The works of Adolf Luther, Michelangelo Pistoletto, and Gerhard Richter, with whom Ursula Ott became a master student in 1990, are examples of recent modern work. For Luther, the immaterial reality of light was a counterpart to the material world, as in his concave mirror objects. For Michelangelo Pistoletto, the mirror is central, it absorbs the entire “società,” human community. Pistoletto’s performances often featured aggressive destruction of his mirror images in order to demonstrate the potential for change. Since 1967, Gerhard Richter has included large, painted and unpainted glass and mirror discs in his work individually and in groups.

In contrast, the dimension of mirrored glass in the work of Ursula Ott is deliberately reduced. These are meditation pictures. Not the large format is in the foreground, but material and spiritual densification, the play of the light.
Ursula Ott was born in 1960 in Waiblingen in Baden-Württemberg. She studied from 1982 to 1986 in Hamburg at the Hochschule für bildende Künste. From 1986 to 1990 she studied at the Kunstakademie in Düsseldorf, where she graduated as a master student of Gerhard Richter. Ott lives and works in Düsseldorf, where, for example, she participated in the 2007 exhibition “Collecting Art” at the Museum Kunstpalast with works owned by Thomas Schütte. Currently, her work is being shown in the Düsseldorf Kai 10 / Arthena Foundation in the exhibition “Catching the Light.”

(Excerpt from Stephan von Wiese, “The Light Paints. On the glass panes of Ursula Ott”)

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Ursula Otts verspiegelte farbige Scheiben aus Glas lenken den Blick auf ein im Laufe des Tages- und Jahreslichts sich ständig veränderndes Farbgeschehen. Die Scheiben, klar konturierte geometrische Felder – meist sind es Kreise – stehen in stiller Interaktion mit dem Betrachter, sie ändern je nach Moment Farbe und Spiegelbild. Das Licht malt. Bei jeder Bewegung des Auges, jeder Veränderung des Lichts, gerät die Farbe in Schwingung, kommt in Vibration. Die Außenwelt ist schemenhaft, wie durch einen Schleier gesehen, ist ins farbige Glas tief eingesunken. Es sind der innere Blick und die innere Wahrnehmung, die im Vordergrund stehen, die Aufmerksamkeit richtet sich auf die wechselnde Empfindung, weniger aufs Bild der Außenwelt. Häufig strahlen die Scheiben in einem leuchtenden Gold, das beim nächsten Positionswechsel wieder changiert. Aber auch das kühle blaue Mondlicht, das Grün der Natur scheinen auf. Dann wieder vermischen sich die Farben wie beim Kaleidoskop. Gebannt stehen wir vor diesen Werken voll Transzendenz, Spiritualität und Lichtbewegung. Immer wieder andere Gefühle und Empfindungen werden ähnlich wie bei einem Musikstück evoziert.

Die Werkstoffe Glas und Spiegel haben Künstler aller Zeiten immer wieder besonders herausgefordert, die Glasmalerei das Mittelalter, die Spiegelkabinette des Barock waren beispielsweise große repräsentative Aufgabenfelder. In der Moderne sticht das Opus Magnus von Marcel Duchamp “Das große Glas” in Öl auf Glas hervor, das erstmals 1923 unvollendet ausgestellt wurde. Aus der jüngeren Moderne seien beispielhaft das Werk von Adolf Luther, Michelangelo Pistoletto und Gerhard Richter, bei dem Ursula Ott 1990 Meisterschülerin wurde, angeführt. Für Luther war die immaterielle Lichtwirklichkeit ein Pendant zur materiellen Welt, etwa bei seinen Hohlspiegelobjekten. Ganz im Zentrum steht bei Michelangelo Pistoletto dann der Spiegel, der die gesamte “società”, die menschliche Gesellschaft, in sich aufnimmt. Bei Pistolettos Aktionen kam es dann auch zu aggressiver Zerstörung der Spiegelbilder, um Veränderungspotential zu demonstrieren. Gerhard Richter bezog seit 1967 einzeln und in Gruppen große bemalte und unbemalte Glas- und Spiegelscheiben in sein Werk ein.

Demgegenüber ist die Verwendung des verspiegelten Glases im Werk von Ursula Ott sehr bewusst in den Dimensionen weit reduzierter. Dies sind Meditationsbilder. Nicht das große Format steht hier im Vordergrund, sondern die materielle und spirituelle Verdichtung, das Spiel des Lichts.

Ursula Ott wurde 1960 in Waiblingen in Baden-Württemberg geboren. Sie studierte von 1982 bis 1986 in Hamburg an der Hochschule für Bildende Kunst, anschließend 1986 bis 1990 an der Kunstakademie Düsseldorf, beschloss hier als Meisterschülerin von Gerhard Richter ihre Ausbildung. Sie lebt und arbeitet in Düsseldorf, wo sie beispielsweise 2007 an der Ausstellung “Die Kunst zu sammeln” im Museum Kunstpalast mit Werken aus dem Besitz von Thomas Schütte teilnahm und gegenwärtig mit ihren Scheibenbildern in der Düsseldorfer Kai 10 / Arthena Foundation an der Ausstellung “Catching the Light” beteiligt ist.

(Auszug aus Stephan von Wiese, “Das Licht malt. Zu den gläsernen Scheiben von Ursula Ott”

[Deutscher Text nachstehend]

Ed Clark (*1926), one of the most important artists of the New York School, produced abstract paintings of extraordinary beauty and significance. Clark developed new approaches to painting such as using everyday objects and physical activities such as sweeping with a broom in the production of paintings to produce large, controlled strokes over a canvas on the floor or fabricating shaped paintings, on his works on paper pigments are disbursed and layered among pastose applications of paint. Mixing and layering rich hues in varying consistencies and forms, Clark’s work incorporates color, light, texture, and movement in gestural forms ranging from explosive to subtle at the same time.

Clark’s works are included in the collections of many major institutions and museums, including the Detroit Institute of the Arts, the Art Institute of Chicago, and the Museum of Modern Art in New York.

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Ed Clark (*1926), einer der bedeutendsten Künstler der New Yorker Schule, produzierte abstrakte Gemälde von außergewöhnlicher Schönheit und Bedeutung. Clark entwickelte neue Ansätze für die Malerei wie die Verwendung von alltäglichen Gegenständen und körperlicher Aktivitäten wie das Kehren mit einem Besen in der Herstellung von Gemälden. Auf dem Boden zog er breite Farbspuren über eine Leinwand oder fertigte kreisförmige oder ovale Gemälde, strahlende Pigmente wurden im Wechsel mit pastosen Aufträgen auf Papier gerieben, Durch das Ziehen, Mischen und Schichten von reichen Farbtönen in unterschiedlichen Konsistenzen und Formen, erscheint in Clarks Arbeiten Farbe, Licht, Textur und Bewegung in explosiven und subtilen Formen.

Clarks Arbeiten sind in den Sammlungen vieler großer Institutionen und Museen vertreten, darunter in dem Detroit Institute, dem Art Institute of Chicago und dem Museum of Modern Art in New York.

[Deutscher Text nachstehend]

Ed Clark (*1926), one of the most important artists of the New York School, produced abstract paintings of extraordinary beauty and significance. Clark developed new approaches to painting such as using everyday objects and physical activities such as sweeping with a broom in the production of paintings to produce large, controlled strokes over a canvas on the floor or fabricating shaped paintings, on his works on paper pigments are disbursed and layered among pastose applications of paint. Mixing and layering rich hues in varying consistencies and forms, Clark’s work incorporates color, light, texture, and movement in gestural forms ranging from explosive to subtle at the same time.

Clark’s works are included in the collections of many major institutions and museums, including the Detroit Institute of the Arts, the Art Institute of Chicago, and the Museum of Modern Art in New York.

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Ed Clark

Ed Clark (*1926), einer der bedeutendsten Künstler der New Yorker Schule, produzierte abstrakte Gemälde von außergewöhnlicher Schönheit und Bedeutung. Clark entwickelte neue Ansätze für die Malerei wie die Verwendung von alltäglichen Gegenständen und körperlicher Aktivitäten wie das Kehren mit einem Besen in der Herstellung von Gemälden. Auf dem Boden zog er breite Farbspuren über eine Leinwand oder fertigte kreisförmige oder ovale Gemälde, strahlende Pigmente wurden im Wechsel mit pastosen Aufträgen auf Papier gerieben, Durch das Ziehen, Mischen und Schichten von reichen Farbtönen in unterschiedlichen Konsistenzen und Formen, erscheint in Clarks Arbeiten Farbe, Licht, Textur und Bewegung in explosiven und subtilen Formen.

Clarks Arbeiten sind in den Sammlungen vieler großer Institutionen und Museen vertreten, darunter in dem Detroit Institute, dem Art Institute of Chicago und dem Museum of Modern Art in New York.

[Deutscher Text nachstehend]

“Ali Altin’s world of figures emerges from the undergrowth of images and times, familiarly near and infinitely distant – at times akin to comic-like sketches, then again as is transferred from a Pompeian villa. One believes to have encountered all these faces, grimaces, and goblins before: in the media or in a dream. Arising from a network of collective intelligence, like that of our bacterial cultures, in paintings, Ali Altin is the medium for this multifarious tangle of mnemosyne (Aby Warburg). Not to form new scenarios, but to create pictures.” (Veit Loers)

The grotesque and the beautiful spring from the formal possibilities of painting by Ali Altin’s careful use of various graphic and painterly techniques. His figurative paintings evoke narrative content in mystic figures, objects, and spaces.
Ali Altin (* 1976 in Goch, Germany) lives and works in Düsseldorf. He studied at Arnhem EZ and the Kunstakademie Düsseldorf (class Tal R). His work was exhibited at the Kunsthaus Innsbruck, at Parkhaus Malkasten Düsseldorf, and at Haus Mödrath.

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Ali Altin [English version above]

“Ali Altins Figurenwelt taucht aus dem Gestrüpp von Bildern und Zeiten auf. Vertraut nahe und unendlich fern. Mal wie aus dem Comic skizziert, dann wieder wie aus einer pompejanischen Villa übertragen. Man glaubt, allen diesen Gesichtern, Fratzen, Kobolden und Scouts schon einmal begegnet zu sein: Im Leben, den Medien oder vielleicht im Traum. Ein Gewirr kollektiver Spiegelungen aus dem Bereich des freudschen und jungschen Unbewußten, einem Netzwerk kollektiver Intelligenz entsprungen wie dem unserer Bakterienkulturen. Sie sind alle gemalt, aber es ist die Malerei, die sie trägt und hervorruft. Wie ein Medium holt Ali Altin dieses vielfältige Gewirr der Mnemosyne (Aby Warburg) ans Tageslicht, nicht um daraus neue Szenarien zu formen, sondern Bilder zu schaffen.” (Veit Loers)

Das Groteske und das Schöne entspringt den formalen Möglichkeiten des Malens durch Ali Altins behutsame Verwendung vielfältiger grafischer und malerischer Techniken. Seine figurativen Gemälde bringen in mystischen Figuren, Objekten und Räumen erzählerische Inhalte hervor.
Ali Altin (*1976 in Goch) lebt und arbeitet in Düsseldorf. Er studierte an der Kunstakademie Düsseldorf bei Tal R. Seine Arbeiten wurden ausgestellt im Kunsthaus Innsbruck, im Parkhaus Malkasten Düsseldorf, und im Haus Mödrath.